Il film di Paolo Virzì, vede protagonista Valerio Mastandrea nei panni di Adriano Sereni, un socio fondatore di un importante studio di avvocati, che si è improvvisamente ritirato nella campagna toscana in una vita isolata e chiusa in seguito ad una tragedia familiare. Improvvisamente la tenuta in cui ha preso un affitto la dépendance su riempie di giovani ragazzi che vanno a vivere nella villa Guelfi ormai in disuso, e tentano di riportare in vita la vigna abbandonata da anni. Dopo un approccio ostile, si abitua alla presenza e comincia una convivenza civile, imparando a conoscere Matilde, la nipote ereditiera del conte Guelfi, incinta, e gli altri ragazzi della comune. Adriano si attacca alla ragazza come a cercare una seconda occasione dopo che, un suo errore, o esitazione, l’ anno prima è costato la vita alla figlia disabile, cosa che lo ha distrutto intimamente e familiarmente. Adriano vede così un occasione di riscatto, e prendersi le proprie responsabilità dell’ accaduto, e tornare a vivere. La pellicola viaggia tra la commedia ed il dramma, con lo stile tipico di Virzì, e Mastandrea è molto bravo e naturale nella parte, coadiuvato come non protagonista da Valeria Bruni Tedeschi.

Questa pellicola di Scorsese è una delle più controverse della sua filmografia, considerata non pienamente riuscita e contestata anche dal punto di vista religioso dai cattolici più intransigenti. La sceneggiatura di Paul Schrader è basata su un libro, L’ Ultima Tentazione di Nikas Kazantzakis, che a sua volta si rifà all’apocrifo vangelo di Giuda. Secondo questo vangelo, che non rientra nel nuovo testamento, viene rivalutata la figura di Giuda, non più traditore e gran figl di putt, ma visto come l’apostolo più vicino a Gesù, e costretto al tradimento dallo stesso Gesù in modo da poter compiere il volere di Dio. Quindi saremo di fronte ad un uomo fedele al suo profeta, e pronto ad essere dannato per sempre per farlo risorgere e fare nascere la sua religione. Come tesi è ardita ma anche affascinante, e ovviamente contestata. Il film porta Gesù, interpretato da un al solito intenso e preciso Willem Dafoe, dal suo lavoro di falegname a profeta prima e martire dopo, ma con sentimenti molto umani, come dubbio, paura, lussuria (il rapporto con Maria Maddalena non è esclusivamente platonico) e anche non completamente saldo alle tentazioni del diavolo nel deserto. Compresa l’ ultima, da cui prende il titolo, sulla croce, con la speranza di rinnegare tutto e porre fine alle sofferenze e vivere una vita normale. Nel ruolo di Giuda abbiamo Harvey Keitel, e Barbra Hershey come Maria Maddalena, con attori di secondo piano per il resto del cast, oltre un cameo di David Bowie come Ponzio Pilato. La pellicola, musicata da Peter Gabriel, è un po’ pesantuccia e lenta, effettivamente, ma non mi sembra così brutta come ne venne additata all’ uscita, piuttosto penso che le motivazioni di critiche feroci furono più legate ad una visione scomoda per i credenti più integralisti, che infatti osteggiarono film e libro.

Episodi: 4

Questa miniserie è tratta dall’ omonimo romanzo pubblicato nel 1954 di William Golding, ed è composta da quattro episodi, ognuno dedicato ad uno dei protagonisti principali, Nicky “Piggy”, Jack, Simon e Ralph, ed ognuno incarna una diversa sfaccettatura della società. Durante un misterioso conflitto, un aereo contenente bambini e ragazzini preadolescenti precipita su un isoletta disabitata e lussureggiante. I pochissimi adulti presenti sul velivolo sono morti, e prima che si scateni il panico tra i piccoli, i più grandi cercano di prendere in mano la situazione, eleggendo un capo, Ralph,che coordini le operazioni per la sopravvivenza. Ma tutto si basa su di un fragile equilibrio pronto a spezzarsi. Golding ha creato una grande allegoria sulla società civile, basata sul presupposto che il male e la cattiveria siano insiti nell’ essere umano. Troviamo quindi la democratica convivenza, la scienza e la bontà d’animo soverchiati dalla violenza e superstizione, suggerendo uno spaccato quanto mai attuale e persistente nel tempo. Non era facile una trasposizione televisiva, perché molto del romanzo è in piccoli e apparentemente insignificanti gesti e situazioni quotidiane dei ragazzi che presto scivolano come una slavina nel proselitismo verso il male, ma Jack Thorne (tra le altre , Adolescence e Wonder) è riuscito a fare un buon adattamento, dato poi in regia a Marc Munden (The Third Day). La serie è visivamente affascinante, non veloce, e si sofferma spesso su immagini naturalistiche e distorte, primi piani sui volti dei piccoli protagonisti, filtri colorati sulla vegetazione, usate come artefici per esasperare nello spettatore un senso di disagio corrispondente alla degradazione del senso di umanità di alcuni di loro, trasportati ormai verso una regressione animalesca. Non è stato dato tanto spazio, o quanto meno non quanto dovuto, al Signore delle Mosche, una testa di cinghiale in putrefazione infilzata su di un palo, che “parla” ai ragazzi, che rappresenta la voce del male presente in ognuno di noi, secondo Golding. Plauso poi per i giovani attori, bravi e credibili nei loro ruoli.

Arrivata disponibile alla visione la trasposizione in video del racconto Vita di Chuck dello zio King, trasposizione ad opera di Mike Flanagan con Tom Hiddleston nei panni di Chuck adulto e Jacob Trembley in quello di adolescente, e un resto di cast di altri volti conosciuti come Mark Hamill, Chiwatell Ejofor e Karen Gillan. Non era semplice poter fare un bel lavoro con il materiale a disposizione, che è di un bel livello e di gran profondità andando a toccare delle corde intime e di immedesimazione nel personaggio, e una messa in video poteva non centrare il bersaglio per svariati motivi. Invece Flanagan anche qui fa un buon lavoro, mettendoci la passione e un modo onesto ma personale di regia, senza voler strafare e senza limitarsi al contrario al compitino. Essendo già il 3/4 tentativo riuscito più che discretamente con King, che di solito è di difficile resa, mi fa ben sperare sulla serie TV basata sulla saga della Torre Nera, stuprata recentemente in un film inguardabile e che merita miglior sorte. The Life Of Chuck vive di tre atti di tre momenti diversi della vita di Charles Kruntz, a ritroso, legati da una voce narrante che ti introduce nei momenti essenziali della sua vita. Chuck è una persona comune e semplice, e per questo meravigliosa, è un inno alla vita, alla sua accettazione per quello che è. È complicato dire qualcosa del film senza fare spoiler, perché anche se non ci sono in realtà quel che si voglia grande colpo di scena, è però qualcosa da assimilare e capire piano piano. Uno dei più bei personaggi creati da King per me, proprio perché ti resta speciale, dolce e comunque forte. Hiddleston è bravo, la scena del ballo, che occupa diversi minuti è coinvolgente e divertente, e si ritrova nel terzo atto la genesi della passione di Chuck. La musica è un altro elemento cardine, protagonista, del film, che accompagna la vita o almeno i momenti salienti della vita del protagonista. Una cosa importante, nella dipanazione della storia, è fare attenzione ai dettagli, anche banali, che trovi nel primo atto e che poi avranno tutt’altro valore nel proseguo. La storia si basa su un concetto semplice e fondamentale, che entra nel cuore e dà, o comunque prova a dare, un senso al vissuto, anche grazie alle parole di Walt Whitman, io sono moltitudine, che danno un tocco di magia ad ognuno di noi.

Episodi 6

Sono passati dieci anni da quando Jonathan Pine (Tom Hiddleston) ha posto fine al traffico di armi del milionario e falso filantropo Richard Roper (Hugh Laurie), ufficialmente morto un una prigione siriana. Ora Jonathan ha cambiato identità, ma continua a lavorare per l’ MI6 ma come responsabile dei night howl, un gruppo di sorveglianza in casinò e alberghi per verificare che tra gli ospiti non siano presenti “persone non gradite”. Quando Jonathan riconosce uno dei mercenari dell’ ex nemico, cerca di capire cosa ci fa un Inghilterra, e scopre un traffico di armi verso la Colombia, orchestrato da Eduardo “Teddy” Dos Santis, con il benestare di alcuni funzionari deviati dell’ intelligence, e non solo. Allora stesso modo che nella fiction, anche nella realtà sono passati dieci anni dalla prima stagione, e fisicamente si notano tutti, come è giusto che sia. Se la precedente era tratta da un romanzo di John Le Carrè, che prima di essere scrittore era stato realmente un agente dell’ intelligence inglese, questa è una sceneggiatura originale che ne continua le vicende. E tutto sommato, pur con una certa ripetitività di sottofondo di situazioni e personaggi, la cosa non è assolutamente sgradevole. Bene o male la storia sta in piedi, il realismo è sempre un elemento portante, non ci sono grosse esagerazioni e, neanche, troppe sottotrame per allungare il brodo. Anche le prove attoriali sono un plus, come già lo erano state nella precedente, e qui Hiddleston dà vita ad un Pine si determinato, ma anche più stanco e deluso per la piega presa dai membri dell’ organizzazione. Il finale di stagione poi è magistrale. Sembra ci sia in ballo una terza stagione, ma anche così sarebbe perfetto.

Sono passati da 28 anni dall’ inizio dell’ epidemia. Nella piccola isola di Lindisfarne, in Scozia,vive una comunità di sopravvissuti, isolati dal continente dall’alta marea che copre la strada di comunicazione. Il giovane Spike (Alfie Williams) vive con il padre James (Aaron Taylor-Johnson) e la madre Isla (Jodie Comer). Quest’ ultima è gravemente malata, e ha spesso momenti di forte confusione mentale. James e Spike partono per una ricognizione sulla terraferma, in una specie di rito di iniziazione, cercando di evitare le insidie degli infetti, in cui soprattutto da temere sono gli Alpha, più intelligenti e più forti. Durante la notte avvistano un fuoco, probabilmente appartenente al misterioso dottor Kelson (Ralph Fiennes) e Spike crede che potrebbe essere la salvezza per la madre. Tornare dopo più di venti anni ad uno scenario post pandemico (amaramente ironico, nel frattempo c è stata realmente una pandemia) poteva essere rischioso. Già il secondo episodio della saga, non scritto o diretto da Danny Boyle e Alex Garland, pur con qualche bel momento aveva diversi problemini, non ultimo la ripetività della situazione. La stessa cosa che, parallelamente, ha stancato anche in The Walking Dead. Gli infetti sono pericolosi, ok, ma sono peggio gli umani. Qui si sale un gradino nella storia, e nella costruzione dei rapporti tra i protagonisti. Il legame padre figlio, apparentemente indissolubile, viene messo a dura prova da un episodio. Mentre quello materno, qui, è il vero protagonista della pellicola. Isla è fragile, instabile, ma ha pur sempre un forte istinto materno. Dal punto di vista della tensione, sono due ore intense e che ti tengono sempre sulle spine. La prima parte, con padre e figlio in esplorazione, è sostenuta da una musica incalzante ed inquietante, che ricorda la colonna sonora originale del primo film ma è ancora più aggressiva. Nella seconda parte, con la ricerca del Dr. Kelson, cambia registro toccando momenti più evocativi. Il personaggio di Fiennes, pur se in poco tempo sullo schermo, mette il sale sul vicenda: ambiguo, inquietante per il luogo dove vive e per cosa ha creato, sembra folle e lucido allo stesso tempo. È completamente neutro nelle relazioni, sia con gli umani che con gli infetti, quasi un essere divino che non giudica e continua nella sua opera di memento mori. È sicuramente il personaggio più interessante del film, che intriga e lascia spazio ad un approfondimento sulla sua vita nei 28 anni intercorsi dallo scoppio dell’ infezione, e il titolo del secondo capitolo di questa trilogia lo fa sperare. Boyle dirige la sceneggiatura benissimo, alternando riprese con mezzi diversi, da una telecamera fissa classica a riprese a mano, all’utilizzo di un drone per dare più respiro all’ ambiente e esplorare la vastità del territorio ormai abbandonato.

Il film di Ryan Coogler con protagonista, a consolidare il sodalizio tra i due, Michael B. Jordan in un doppio ruolo, ha fatto incetta di nomination ai premi oscar in praticamente tutte le categorie principali, stabilendo un nuovo record. Ovviamente la cosa non è passata sottotraccia e ha scatenato un infinità di polemiche, almeno in Italia.Siamo nel Mississipi nel 1932. Sammie Moore è un giovane chitarrista, con il padre pastore che invece vorrebbe si allontanasse dalla “musica del diavolo”. “Stack” e “Smoke” Moore sono due gemelli, cugini di Sammie. I due, veterani della prima grande guerra, sono appena rientrati da Chicago dove erano uomini dei gangster della malavita italoamericana, cui hanno sottratto soldi e armi, con l’ intenzione di aprire un Juke Joint, un locale di musica e cibo per soli neri, rilevando una vecchia segheria da un bianco razzista locale. Stack e Smoke, pur essendo omozigoti, sono caratterialmente diversi, gagliardo il primo, severo e irrequieto l’ altro. I due si riuniscono alle loro donne, e cominciano a sviluppare il progetto assumendo anche Delta Slim (Delroy Lindo), pianista e armonicista, e la cantante Pearline (Jayme Lawson). Arriva la sera e inaugurano il locale facendo il pienone con decine e decine di avventori tra gli operai delle piantagioni. Ma la musica suonata da Sammie, dalle grandi doti evocative, attrae un vampiro vagante e i suoi due nuovi accoliti, che prenderanno d’assedio il locale.Di impatto, il film può ricordare per vari motivi il famoso Dal Tramonto All’ Alba di Rodriguez, ma dal ritmo più lento ma, fondamentalmente, solo come plot. Per il resto, qui l’ aria è meno scanzonata e c’è una sottotraccia più politica e sociale. I bianchi sono per la quasi totalità razzisti e del Ku Klux Klan, e i vampiri, invece, stanno a rappresentare il tentativo di appropriazione culturale e di irretimento tentando le vittime con promesse e miraggi di diventare “una grande famiglia, tutti uguali e felici”. Se proprio va fatto un paragone, è più sulla scia di Scappa-Get Out di Jordan Peele come tematica di fondo. Tralasciando la critica socioculturale e le polemiche innescate, 16 nomination possono essere tante e forse troppe, ma sul lato tecnico, fotografia, scenografia, sonoro e colonna sonora dà sole valgono il tempo della visione. Le inquadrature e i colori della pellicola sono veramente belli, e il comparto musicale è un altro grande protagonista del film, trascinante e coinvolgente, ti porta nel profondo Sud degli Stati Uniti. Bravo anche Michael B. Jordan nel doppio ruolo, e il veterano Lindo che è sempre sul pezzo. Non sarà sicuramente un capolavoro assoluto nella storia del cinema ma è comunque un bel film e ben diretto, e per gli appassionati di tecnica, ci sono almeno 2/3 scene in piano sequenza. Ultima chicca, è presente un cameo del grande bluesman Buddy Guy.

Episodi:8

La serie è un prequel del film IT di Muschietti, che ha curato e diretto anche questo prodotto per il piccolo schermo. Ho specificato l’ IT di Muschietti perché, personalmente, a parte il soggetto e alcuni plot della trama siano quelli di King, comunque per tanti aspetti se ne era discostato per creare qualcosa di più fruibile al pubblico di oggi. Uno degli elementi di distacco era l’ orizzonte temporale in cui si muovevano i Perdenti da bambini, non più i tardi anni 50 ma la fine degli 80. Qui, essendo nel precedente ciclo di veglia dell’ orrido divoratore di bambini, siamo nei 60. A Derry c è una base militare, in cerca di qualcosa. Vi vengono trasferiti il maggiore Hanlon, padre di Will e futuro nonno di Mike, come supporto e destinato ad una missione di volo per scaricare un arma letale sui cattivi russi komunisti (siamo nel clou della guerra fredda). Nella base viene trasferito anche un altro militare, Dick Halloran, capace di “sentire” le cose, che servirà appunto a trovare questa arma sepolta. Nel frattempo allegramente un po’ di figlioli di Derry scompaiono o vengono ritrovati uccisi e mutilati, e a chi non dare la colpa se non al proiezionista nero Hank? La figlia di questo, Ronnie, fa amicizia con Lilly, unica testimone degli ultimi omicidi, Marge e Rich, tutti dodicenni, che scoprono l’esistenza di questo mostro e cercano di combatterlo, tra razzismo, cattiveria dei concittadini e seghe varie. Allora, come trama è una baracconata. Personaggi che si muovono come elefanti in cristalleria tra le varie trame temporali, e comunque pestano merde in qua e in là che compromettono tutto il castello (impossibile che gli abitanti successivamente non si ricordino determinati avvenimenti, o che alcuni dei protagonisti, una volta adulti, non sappiano che succede a Derry ogni tot anni), inserire a forza Halloran per usarlo come metal detector, e giocare così con citazioni e richiami a Shining, how simple, o un altra amenità mai sentita, su una misteriosa gabbia per contenere It. Ma non solo questo, ma qui ora basta se no faccio spoiler. Oggettivamente ci sono anche trovate interessanti e che rimandano all’ universo kinghiano e approfondiscono o interpretano temi solo accennati nel romanzo, come la genesi di Pennywise il clown, oppure il famigerato incendio al Black Point o la sottotrama dei nativi custodi del luogo. A livello di regia a Muschietti non si può dire niente, tecnicamente è bravo, resta un po’ troppo a crogiolarsi su facili jumpscares, anche se effettivamente in almeno un paio di momenti riesce a creare non dico proprio inquietudine ma sicuramente un solletichio vicino alla tensione si. Fotografia e colori sono belli e gli effetti speciali sono pacchiani ed ad un passo dal trash, ma per come si muove il gran cattivone, con quella vena ironica macabra che ha anche nei film e che ricorda molto Freddy Kruger, ci stanno bene. Alla fine della fiera e delle varie carneficine è un vero e puro prodotto televisivo che si fa vedere, quindi da quel punto di vista centra l’ obiettivo, perché sicuramente i vari squartamenti e grand guignol intrattengono. Manca però tutto il resto per cui è diventato famoso il romanzo, ma era lo stesso problema che avevano anche le trasposizioni cinematografiche.

Acab, acronimo di all Cops are bastards, è il primo film di Stefano Sollima della trilogia della Roma criminale, trilogia che io ho visto al contrario, ma poco male, i film in questione non hanno nessun legame tra loro, né di storia né di personaggi, ma solo di ambientazione, e la presenza di Pierfrancesco Favino tra i protagonisti. In questa pellicola la parte “criminale” non è di spacciatori o piccoli gangster come negli altri due film, ma dal comportamento dei poliziotti della celere, violenti, fondamentalmente disagiati, profondamente fascisti e privi di onore. Mazzinga (Giallini), Cobra (Favino) e Negro (Filippo Nigri) sono tre celerini veterani, reduci dalla mattanza della Diaz al g8 di Genova, e prendono sotto la loro ala una giovane recluta, Adriano (Domenico Diele) cercando di forgiarla e rieducarla alle loro regole di violenza. I 3 amici infatti, non solo svolgono il lavoro di controllo e repressione fuori dagli stadi durante le partite a rischio, ma la notte vanno a caccia di stranieri e piccoli spacciatori in una sorta di spedizione punitiva per “pulire” la città. Se da una parte il carattere irruento e violento di Adriano è affascinato dai suoi colleghi, dall’altro il loro comportamento disonorevole verso la divisa lo inibisce. Il film scorre veloce, e punta il dito contro gli eccessi dei protagonisti, ma al tempo stesso li rende molto umani, non cerca di farteli antipatici per forza, nonostante tutto, per le loro vicissitudini familiari drammatiche, pur se il loro carattere e comportamento ne sia la stessa causa. 

Film distopico (ma non è detto, considerando la situazione che sembra profilarsi) di Alex Garland in cui gli Stati Uniti sono divisi da una nuova guerra civile, in più fazioni diverse, in cui seguiamo un gruppo di giornalisti alla ricerca dello scoop del secolo, un intervista al presidente prima della sua probabile destituzione. La pellicola si apre in media res, e non sappiamo (e non sapremo mai) i motivi di questa guerra interna. Si viene a conoscere solo che ci sono la fazione dei lealisti al presidente, parte della East coast e alcuni stati del centro, ad esclusione degli stati che si affacciano sul golfo del Messico alleati con la florida secessionista, contro le West Force cui partecipano due improbabili alleati, la progressista California e il Texas conservatore. Oltre a questi, la quarta fazione è la People’s Army del Nord ovest. Tutta l’ America del Nord è un campo di battaglia, e dove non si combatte vigono attentati, soprusi della polizia e sciacallaggio, oltre a pulizia etnica improvvisata. I giornalisti sono osteggiati dall’ esercito lealista, che si basa su bugie sul vero andamento della guerra. Lee Smith (una notevole Kirsten Dunst) è una della più importanti fotoreporter, che ha documentato negli anni gli orrori in varie parti del mondo. La sua fotocamera è il suo e il nostro occhio, e non risparmia nessun momento, neanche il più cruento. Assieme al collega Joel vuole partire per andare a scovare il presidente, e nel viaggio sarà accompagnata anche dall’ anziano Sammy, amico e rivale, e dalla giovane Jessie, aspirante fotoreporter con cui stringerà un legame sempre più forte. Per raggiungere Washington dovranno però fare più deviazioni, con tanti momenti pericolosi. Non ci sono sconti, bella pellicola. Non esistono divisioni nette tra buoni e cattivi, spesso non si sa neanche se chi spara è dalla stessa parte. Garland non prende posizioni, come non le prendono i giornalisti, loro documentano per fare si che gli altri, chi vede il loro lavoro, possa farsi una sua idea. E la pellicola segue la stessa filosofia. Non riesci a parteggiare per qualcuno, non è quello importante, è cosa succede in una situazione che può ripresentarsi da un momento all’altro, senza però nemmeno cadere nel retorico degli orrori della guerra. Perché in sostanza non dà un giudizio sulle azioni, il film resta sempre freddo nel suo incedere. Ma la potenza della struttura fa il suo lavoro, assieme alle immagini, curate e spesso crudeli, sia nelle morti ma anche nella desolazione di panorami urbani e extraurbani devastati dalle battaglie, che per certi versi ricordano film post-apocalittici come 28 Giorni Dopo, da lui stesso scritto e sceneggiato. Un altro plus è la colonna sonora, che mixa pezzi anni 70 meno conosciuti e elettronica più recente.