Takabe è un ispettore della polizia che sta indagando, avvalendosi dell’ aiuto di un amico psichiatra, su alcuni efferati ma assurdi omicidi caratterizzati da una X incisa su gola e petto della vittima. La stranezza principale è che tutti gli assassini, persone assolutamente normali, sono ritrovati in stato confusionale, consci di cosa hanno fatto ma non del perché. Nel corso dell’ indagine, Takabe scopre che tutti gli individui sono stati in qualche maniera in contatto con un misterioso ragazzo, Mamiya. Questa pellicola, del 1997, praticamente è arrivata in Italia solo lo scorso anno al cinema, girata esclusivamente sul mercato home video andando anche fuori catalogo, ed è stata riproposta in questi giorni su rai play, ma è già in scadenza, alimentando ancora di più l’ alone di mistero del film. Il regista, Kiyoshi Kurosawa, è con questa pellicola il principale iniziatore della corrente J-horror, che continuerà con il successivo Ringu (versione originale di The Ring). Il film è pervaso da una sensazione ansiogena di tensione e inquietudine, anche grazie a campi lunghi e piani sequenza, e va a toccare il tema della mesmerizzazione e del controllo mentale

Millie, è una ragazza apparentemente come altre, che per sbarcare il lunario si propone come governante e tata per una ricca famiglia della periferia di New York, i Winchester. Inizialmente lega subito con Nina, la madre e moglie della famiglia, ma quando questa comincia a fare smattate senza senso la cosa comincia a farsi parecchio strana, ma non può permettersi di perdere il lavoro. Ma la situazione in casa di farà sempre più tesa e con risvolti pericolosi.

Paul Feig, che in passato ci ha già donato quella cosa brutta che è Ghostbusters del femminile, si cimenta ancora con un soggetto prevalentemente incentrato su donne forti, in questo caso tratto dal primo di una serie di romanzi. La pellicola è un thriller familiare che tiene bene inizialmente, anche se intuisci subito che non è tutto come sembra rose e fiori, con piccoli plot twist che cercano di spiazzare lo spettatore indirizzando diversamente la storia, che comunque è abbastanza intuibile. Ha raggiunto un grande successo di pubblico, nonostante non brilli di originalità, restando comunque carino e ben interpretato da Sidney Sweeney e Amanda Seyfried.

“Per il potere di Greyskull….a me il potere”..

Chiunque di noi abbia amato i Masters Of The Universe da piccino per i giochi e i cartoni animati, ha provato almeno una volta a declamare queste parole con un mestolino o qualunque altra cosa in mano puntato in alto. E quando ci fu il tentativo, a fine anni ’80, di portare in pellicola le avventure di Ethernia per i bambini di allora era un sogno che si realizzava. Peccato che in Italia arrivò solo 3 anni dopo all’ uscita americana ed era onestamente un po’ più di una mezza porcata. Dopodiché caddero in oblio, restando oggetti di nicchia e per nostalgici, nonostante alcuni tentativi, intorno al 2010, per riportarli in auge, ma niente da fare. Solamente in tempi recenti, con un ulteriore rivisitazione Netflix ad opera di Kevin Smith, qualcosa si è mosso nell’interesse del pubblico. E oltre al rilancio degli action figure, sono tornati rumors su un nuovo film, su cui inizialmente c era sempre Netflix, ma una volta che questa si è defilata, è subentrato Amazon Video. E così, a quaranta anni del precedente, abbiamo un nuovo film, con regia di Travis Knight, su He-Man e i suoi valorosi amici. E, vado subito al sodo, mi ha divertito. È un bel film? No. Ha dei difetti? Si. Poteva essere fatto meglio di così? Forse, ma le possibilità che fosse peggio erano infinitamente più alte. Ma quando vai a vedere un film del genere, non ti aspetti Bergman, vuoi qualcosa che sia intrattenimento, fatto bene e fedele allo spirito originale, e si può dire tranquillamente che ci ritrovi tutto. Sicuramente è un po’ troppo spinto su battute e gag, sullo stile di Ep. VIII di Star Wars, ma ricordiamoci quanto era kitsch anche in origine. Mancano alcuni personaggi storici come Mer Man e Orko, ma gli altri principali ci sono tutti, e soprattutto i cattivi sono da lustrare gli occhi. Trap Jaw, Beast Man e Spikor sono dei gioiellini. E Skeletor (Jared Leto) È Skeletor. Sia fisicamente che come personalità. Nella schiera dei difensori del bene, Man-at-Arms (Idris Elba) è superaccessoriato, Ram Man, Mekaneck e Fisto sono grosso modo come dovevano essere, e Teela (Camila Mendes) è gnocca e letale come da copione. Poi abbiamo Adam) He-Man (Nicholas Galitzine). Qui abbiamo un personaggio costruito bene nella sua parte “debole”, ma meno feroce e più incline al dialogo e alla mediazione trasformato nel campione di Ethernia. Può fare storcere un po’ il naso perché rimane un po’ una versione gigionesca di Adam, ma a larga veduta è coerente con la storia del ragazzo cresciuto sulla Terra. I combattimenti sono ganzi, fatti bene e potenti, e a livello scenografia è top, vero che è tutto cgi e sbagliarli sarebbe stato un sacrilegio, ma ricostruiscono bene Ethernia. Colonna sonora di gran livello, con musica originale intrigante e pezzi non originali di alto livello, con la presenza anche della chitarra di Brian May. Molto carina la trovata dell’ attribuzione dei nomi da Adam fatti in base alle caratteristiche fisiche nei ricordi di bambino, ci può stare in fondo. Così come simpatico il cameo di Dolph Ludgren in palestra. Come ormai moda negli ultimi anni, occhio alle scene post credits. Via, che altro dire? Non è un film perfetto, ma alla fine è un giusto compromesso tra la nostalgia e il moderno, che può intercettare sia vecchi fan che le nuove generazioni di bambini, che sono i veri target dell’ operazione. Diverte, coinvolge, e tanto basta. E al momento della prima volta in cui Adam esclama la formula di evocazione del potere, un brividino parte, e già va bene così.

Film Netflix tratto da un racconto di Stephen King, con protagonista il Punitore Thomas Jane, che aveva anche già avuto ruoli da protagonista in altri film basati sulle storie del Re (L’ Acchiappasogni e The Mist). In questa pellicola, Jane interpreta Wilfred James, un agricoltore nel Nebraska negli anni 20, che per non cedere al desiderio della moglie di vendere tutto e trasferirsi in città escogita un piano, che coinvolgerà anche il figlio adolescente, per eliminare la consorte. Ma anche se otterrà ciò che voleva, le conseguenze delle sue azioni andranno a sconvolgere totalmente la sua vita. L’ interpretazione di Jane è più che buona, e regge bene una sceneggiatura che sembra un po’ debole in alcuni punti, soprattutto un po’ troppo sbrigativa nella parte iniziale nel rapporto ormai corrotto tra i coniugi, che probabilmente nello scritto (che non ho letto) era ben più presente, soprattutto considerando la scrittura sempre pignola e minuziosa nelle descrizione dello scrittore del Maine. C è da dire che però il regista Zak Hilditch non si limita a svolgere il compitino ma è comunque bravo a creare e mantenere una tensione costante in questo horror psicologico a sfumature sovrannaturali. Il film pur non essendo un must è comunque più che guardabile e riesce a non scadere nel pecoreccio o banale. Da segnalare le musiche ad opera di Mike Patton dei Faith No More.

Il film di Paolo Virzì, vede protagonista Valerio Mastandrea nei panni di Adriano Sereni, un socio fondatore di un importante studio di avvocati, che si è improvvisamente ritirato nella campagna toscana in una vita isolata e chiusa in seguito ad una tragedia familiare. Improvvisamente la tenuta in cui ha preso un affitto la dépendance su riempie di giovani ragazzi che vanno a vivere nella villa Guelfi ormai in disuso, e tentano di riportare in vita la vigna abbandonata da anni. Dopo un approccio ostile, si abitua alla presenza e comincia una convivenza civile, imparando a conoscere Matilde, la nipote ereditiera del conte Guelfi, incinta, e gli altri ragazzi della comune. Adriano si attacca alla ragazza come a cercare una seconda occasione dopo che, un suo errore, o esitazione, l’ anno prima è costato la vita alla figlia disabile, cosa che lo ha distrutto intimamente e familiarmente. Adriano vede così un occasione di riscatto, e prendersi le proprie responsabilità dell’ accaduto, e tornare a vivere. La pellicola viaggia tra la commedia ed il dramma, con lo stile tipico di Virzì, e Mastandrea è molto bravo e naturale nella parte, coadiuvato come non protagonista da Valeria Bruni Tedeschi.

Questa pellicola di Scorsese è una delle più controverse della sua filmografia, considerata non pienamente riuscita e contestata anche dal punto di vista religioso dai cattolici più intransigenti. La sceneggiatura di Paul Schrader è basata su un libro, L’ Ultima Tentazione di Nikas Kazantzakis, che a sua volta si rifà all’apocrifo vangelo di Giuda. Secondo questo vangelo, che non rientra nel nuovo testamento, viene rivalutata la figura di Giuda, non più traditore e gran figl di putt, ma visto come l’apostolo più vicino a Gesù, e costretto al tradimento dallo stesso Gesù in modo da poter compiere il volere di Dio. Quindi saremo di fronte ad un uomo fedele al suo profeta, e pronto ad essere dannato per sempre per farlo risorgere e fare nascere la sua religione. Come tesi è ardita ma anche affascinante, e ovviamente contestata. Il film porta Gesù, interpretato da un al solito intenso e preciso Willem Dafoe, dal suo lavoro di falegname a profeta prima e martire dopo, ma con sentimenti molto umani, come dubbio, paura, lussuria (il rapporto con Maria Maddalena non è esclusivamente platonico) e anche non completamente saldo alle tentazioni del diavolo nel deserto. Compresa l’ ultima, da cui prende il titolo, sulla croce, con la speranza di rinnegare tutto e porre fine alle sofferenze e vivere una vita normale. Nel ruolo di Giuda abbiamo Harvey Keitel, e Barbra Hershey come Maria Maddalena, con attori di secondo piano per il resto del cast, oltre un cameo di David Bowie come Ponzio Pilato. La pellicola, musicata da Peter Gabriel, è un po’ pesantuccia e lenta, effettivamente, ma non mi sembra così brutta come ne venne additata all’ uscita, piuttosto penso che le motivazioni di critiche feroci furono più legate ad una visione scomoda per i credenti più integralisti, che infatti osteggiarono film e libro.

Arrivata disponibile alla visione la trasposizione in video del racconto Vita di Chuck dello zio King, trasposizione ad opera di Mike Flanagan con Tom Hiddleston nei panni di Chuck adulto e Jacob Trembley in quello di adolescente, e un resto di cast di altri volti conosciuti come Mark Hamill, Chiwatell Ejofor e Karen Gillan. Non era semplice poter fare un bel lavoro con il materiale a disposizione, che è di un bel livello e di gran profondità andando a toccare delle corde intime e di immedesimazione nel personaggio, e una messa in video poteva non centrare il bersaglio per svariati motivi. Invece Flanagan anche qui fa un buon lavoro, mettendoci la passione e un modo onesto ma personale di regia, senza voler strafare e senza limitarsi al contrario al compitino. Essendo già il 3/4 tentativo riuscito più che discretamente con King, che di solito è di difficile resa, mi fa ben sperare sulla serie TV basata sulla saga della Torre Nera, stuprata recentemente in un film inguardabile e che merita miglior sorte. The Life Of Chuck vive di tre atti di tre momenti diversi della vita di Charles Kruntz, a ritroso, legati da una voce narrante che ti introduce nei momenti essenziali della sua vita. Chuck è una persona comune e semplice, e per questo meravigliosa, è un inno alla vita, alla sua accettazione per quello che è. È complicato dire qualcosa del film senza fare spoiler, perché anche se non ci sono in realtà quel che si voglia grande colpo di scena, è però qualcosa da assimilare e capire piano piano. Uno dei più bei personaggi creati da King per me, proprio perché ti resta speciale, dolce e comunque forte. Hiddleston è bravo, la scena del ballo, che occupa diversi minuti è coinvolgente e divertente, e si ritrova nel terzo atto la genesi della passione di Chuck. La musica è un altro elemento cardine, protagonista, del film, che accompagna la vita o almeno i momenti salienti della vita del protagonista. Una cosa importante, nella dipanazione della storia, è fare attenzione ai dettagli, anche banali, che trovi nel primo atto e che poi avranno tutt’altro valore nel proseguo. La storia si basa su un concetto semplice e fondamentale, che entra nel cuore e dà, o comunque prova a dare, un senso al vissuto, anche grazie alle parole di Walt Whitman, io sono moltitudine, che danno un tocco di magia ad ognuno di noi.

Sono passati da 28 anni dall’ inizio dell’ epidemia. Nella piccola isola di Lindisfarne, in Scozia,vive una comunità di sopravvissuti, isolati dal continente dall’alta marea che copre la strada di comunicazione. Il giovane Spike (Alfie Williams) vive con il padre James (Aaron Taylor-Johnson) e la madre Isla (Jodie Comer). Quest’ ultima è gravemente malata, e ha spesso momenti di forte confusione mentale. James e Spike partono per una ricognizione sulla terraferma, in una specie di rito di iniziazione, cercando di evitare le insidie degli infetti, in cui soprattutto da temere sono gli Alpha, più intelligenti e più forti. Durante la notte avvistano un fuoco, probabilmente appartenente al misterioso dottor Kelson (Ralph Fiennes) e Spike crede che potrebbe essere la salvezza per la madre. Tornare dopo più di venti anni ad uno scenario post pandemico (amaramente ironico, nel frattempo c è stata realmente una pandemia) poteva essere rischioso. Già il secondo episodio della saga, non scritto o diretto da Danny Boyle e Alex Garland, pur con qualche bel momento aveva diversi problemini, non ultimo la ripetività della situazione. La stessa cosa che, parallelamente, ha stancato anche in The Walking Dead. Gli infetti sono pericolosi, ok, ma sono peggio gli umani. Qui si sale un gradino nella storia, e nella costruzione dei rapporti tra i protagonisti. Il legame padre figlio, apparentemente indissolubile, viene messo a dura prova da un episodio. Mentre quello materno, qui, è il vero protagonista della pellicola. Isla è fragile, instabile, ma ha pur sempre un forte istinto materno. Dal punto di vista della tensione, sono due ore intense e che ti tengono sempre sulle spine. La prima parte, con padre e figlio in esplorazione, è sostenuta da una musica incalzante ed inquietante, che ricorda la colonna sonora originale del primo film ma è ancora più aggressiva. Nella seconda parte, con la ricerca del Dr. Kelson, cambia registro toccando momenti più evocativi. Il personaggio di Fiennes, pur se in poco tempo sullo schermo, mette il sale sul vicenda: ambiguo, inquietante per il luogo dove vive e per cosa ha creato, sembra folle e lucido allo stesso tempo. È completamente neutro nelle relazioni, sia con gli umani che con gli infetti, quasi un essere divino che non giudica e continua nella sua opera di memento mori. È sicuramente il personaggio più interessante del film, che intriga e lascia spazio ad un approfondimento sulla sua vita nei 28 anni intercorsi dallo scoppio dell’ infezione, e il titolo del secondo capitolo di questa trilogia lo fa sperare. Boyle dirige la sceneggiatura benissimo, alternando riprese con mezzi diversi, da una telecamera fissa classica a riprese a mano, all’utilizzo di un drone per dare più respiro all’ ambiente e esplorare la vastità del territorio ormai abbandonato.

Il film di Ryan Coogler con protagonista, a consolidare il sodalizio tra i due, Michael B. Jordan in un doppio ruolo, ha fatto incetta di nomination ai premi oscar in praticamente tutte le categorie principali, stabilendo un nuovo record. Ovviamente la cosa non è passata sottotraccia e ha scatenato un infinità di polemiche, almeno in Italia.Siamo nel Mississipi nel 1932. Sammie Moore è un giovane chitarrista, con il padre pastore che invece vorrebbe si allontanasse dalla “musica del diavolo”. “Stack” e “Smoke” Moore sono due gemelli, cugini di Sammie. I due, veterani della prima grande guerra, sono appena rientrati da Chicago dove erano uomini dei gangster della malavita italoamericana, cui hanno sottratto soldi e armi, con l’ intenzione di aprire un Juke Joint, un locale di musica e cibo per soli neri, rilevando una vecchia segheria da un bianco razzista locale. Stack e Smoke, pur essendo omozigoti, sono caratterialmente diversi, gagliardo il primo, severo e irrequieto l’ altro. I due si riuniscono alle loro donne, e cominciano a sviluppare il progetto assumendo anche Delta Slim (Delroy Lindo), pianista e armonicista, e la cantante Pearline (Jayme Lawson). Arriva la sera e inaugurano il locale facendo il pienone con decine e decine di avventori tra gli operai delle piantagioni. Ma la musica suonata da Sammie, dalle grandi doti evocative, attrae un vampiro vagante e i suoi due nuovi accoliti, che prenderanno d’assedio il locale.Di impatto, il film può ricordare per vari motivi il famoso Dal Tramonto All’ Alba di Rodriguez, ma dal ritmo più lento ma, fondamentalmente, solo come plot. Per il resto, qui l’ aria è meno scanzonata e c’è una sottotraccia più politica e sociale. I bianchi sono per la quasi totalità razzisti e del Ku Klux Klan, e i vampiri, invece, stanno a rappresentare il tentativo di appropriazione culturale e di irretimento tentando le vittime con promesse e miraggi di diventare “una grande famiglia, tutti uguali e felici”. Se proprio va fatto un paragone, è più sulla scia di Scappa-Get Out di Jordan Peele come tematica di fondo. Tralasciando la critica socioculturale e le polemiche innescate, 16 nomination possono essere tante e forse troppe, ma sul lato tecnico, fotografia, scenografia, sonoro e colonna sonora dà sole valgono il tempo della visione. Le inquadrature e i colori della pellicola sono veramente belli, e il comparto musicale è un altro grande protagonista del film, trascinante e coinvolgente, ti porta nel profondo Sud degli Stati Uniti. Bravo anche Michael B. Jordan nel doppio ruolo, e il veterano Lindo che è sempre sul pezzo. Non sarà sicuramente un capolavoro assoluto nella storia del cinema ma è comunque un bel film e ben diretto, e per gli appassionati di tecnica, ci sono almeno 2/3 scene in piano sequenza. Ultima chicca, è presente un cameo del grande bluesman Buddy Guy.

Acab, acronimo di all Cops are bastards, è il primo film di Stefano Sollima della trilogia della Roma criminale, trilogia che io ho visto al contrario, ma poco male, i film in questione non hanno nessun legame tra loro, né di storia né di personaggi, ma solo di ambientazione, e la presenza di Pierfrancesco Favino tra i protagonisti. In questa pellicola la parte “criminale” non è di spacciatori o piccoli gangster come negli altri due film, ma dal comportamento dei poliziotti della celere, violenti, fondamentalmente disagiati, profondamente fascisti e privi di onore. Mazzinga (Giallini), Cobra (Favino) e Negro (Filippo Nigri) sono tre celerini veterani, reduci dalla mattanza della Diaz al g8 di Genova, e prendono sotto la loro ala una giovane recluta, Adriano (Domenico Diele) cercando di forgiarla e rieducarla alle loro regole di violenza. I 3 amici infatti, non solo svolgono il lavoro di controllo e repressione fuori dagli stadi durante le partite a rischio, ma la notte vanno a caccia di stranieri e piccoli spacciatori in una sorta di spedizione punitiva per “pulire” la città. Se da una parte il carattere irruento e violento di Adriano è affascinato dai suoi colleghi, dall’altro il loro comportamento disonorevole verso la divisa lo inibisce. Il film scorre veloce, e punta il dito contro gli eccessi dei protagonisti, ma al tempo stesso li rende molto umani, non cerca di farteli antipatici per forza, nonostante tutto, per le loro vicissitudini familiari drammatiche, pur se il loro carattere e comportamento ne sia la stessa causa.